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汉风宋韵：中国古代艺术符号的文化阐释
汉代三鱼共首图是一种出现在汉代画像及陶器上的较常见图像题材。三鱼共首图常与各种祥瑞动物以及水榭、群鱼、一竿钓三鱼、鹤（鸟）啄鱼等图像一起出现。从图像组合的角度分析，三鱼共首图具有祥瑞和富贵双重寓意，其中寓意祥瑞是其最主要的寓意。
湖南汉墓出土的滑石印从材质、形制、刻制技法、使用群体等方面来看，与同时期流行的官私印有着显著差异。本文以湖南出土的94枚汉代滑石印为样本，就印蜕、释文、出土地点、墓葬时代、形制等方面数据整合，通过考古学、文字学、艺术学等学科方法，以刀法痕迹宽度(印蜕笔画宽度)、篆隶笔画比例等量化数据对其进行分型统计，对其特征、功能(印章功能、丧葬功能、装饰功能)进行探析。明确提出了ABC三种基本分型，并将“中间类型”纳入讨论范围，以建立明确的分类标准和量化指标，以期为相关领域的研究提供进一步的参考依据。
线描是传统人物画的核心技法，在公元前3世纪至公元10世纪的历史演进中，其三维表现能力显著提升，形成了完整的再现性线描语汇体系。6世纪以前，人物画线描结构总体固守二维平面特征。以6世纪为分水岭，在书体革新与西域凹凸画东渐的双向作用下，以张僧繇为代表的画家以书法用笔再现立体造型，实现了线描技法由“密体”到“疏体”的突破，构建了具有空间纵深感的线性结构范式。该转型进程历经隋唐时期的沉淀、深化，最迟于10世纪前后趋于完善。这一嬗变过程不仅映射出中外造型观念的碰撞与互动，更凸显了本土绘画传统对外来技法语言的视觉转化机制。
在华夏先民的宇宙观里，天地之祭是一切宗教信仰的发轫之处，亦是最高形态。北宋徽宗的扶持成就了五大名窑的瓷业高峰，汝、官窑礼器含化了铜玉威仪和瓷之雅韵，孕育了瓷礼器的雏形，并渗入以色、形、制、义为参照的五行象征模型。从“天圆地方”的宇宙论到三代以来对日月星辰、四方神灵的祭拜，至历朝郊祭之礼，皆统摄于“绝地通天”的逻辑体系。宋瓷礼器是时代审美和材料工艺对三代重器形制调适的产物，透过其“圆三方四”到“三足鼎立”“内圆外方”的匹配法则，以及“物性”与“神性”相统一的造器观念、对应与象征的思维模式，可以揭橥其“物类相感”的运行逻辑。
关于宋代女性日常服饰颜色的观点抵牾杂驳，聚讼纷纭。其呈象与体义常以传世绘画为端绪，然则，用色理念与生活实践之间存在张力与裂隙。宋代女性生活色彩丰富多变，色彩研究必须认识到历史的参与者，即“人”的复杂性，并从日常生活的多重视角出发，才能在丰富纷杂的历史材料中括撮出女服色彩的具体写真。褙子是宋朝时期最具有特点和代表性服饰，适用人群极其广泛，充分体现了当时女性的审美趣味与生活需求。本文通过文献资料调研、图像研究、比较分析等研究方法, 将莫里斯符号学三分法与日本NCD色彩意向及SPSS统计方法结合，系统研究了宋制女服褙子色彩的符义、符义与符用特征，构建并拓展了中华传统服饰色彩研究的规制理路，研究成果直接关系到服饰艺术的基本问题，且观照服饰艺术研究的前沿领域，具有开阔的跨学科视野。
《骷髅幻戏图》为南宋李嵩所作纨扇画面，对于其图所指为何，诸家所见不一，计有货郎图、端午辟邪、傀儡戏、生死隐喻四说。从图像层面观之，其图所绘为南宋世俗社会中幻戏与傀儡戏交相并融的演出场景，在构图时采用固定程式以服务于纨扇的商业生产需求，并无过多隐喻。作为题词的书写者，黄公望自身两次入仕却罹遭患厄的人生经历，所入全真教借骷髅以喻勘破人生的宣教方式，同宏观层面的唐宋时期用骷髅、悬丝傀儡喻繁华不久的社会语境形成三重叠合，共同作用于情感活动的轴心位，促成了《醉中天》中人生空幻的语义表达。在这一过程中，作为客体的图像诸要素是主体情感的引发物与共振体。
理论研究
在城市更新由增量向存量转变的进程中，出现了大量的城市缝隙空间，各种类型的既有老旧建筑空间，逐步进入再更新、再利用、再开发阶段。寄生过街楼的设计研究是城市更新中解决缝隙空间废弃和建筑再生问题的重要路径。过街楼是当代城市缝隙空间的一种创新性寄生建筑。文章基于寄生建筑的价值取向，总结出造型处理、环境适应、建筑再生和城市枢纽四个维度的设计实践路径，并通过研究国外既有寄生过街楼案例进一步论证其特征与优势，深入挖掘寄生过街楼的现实效益。当代寄生过街楼设计，是一种“嵌入”式的空间整合术，为城市各类缝隙空间的再利用提供了经验借鉴。
在社会数字化转型中，“城市虚拟代言人”正逐渐崭露头角，成为备受瞩目的文化传播焦点。许多城市尝试以非遗及传统文化元素为视觉符码，结合虚拟人技术，打造个性鲜明的城市虚拟代言人视觉符码，以探索城市数字影像建构传播之路。城市虚拟代言人的“非遗”视觉符码通过活化、传播、视觉传达、影像建构转化为新质文化，并在与城市受众、文化的交融互动中，产生了地缘文化与精神共同体，这一互动交融过程牢铸了中华民族共同体意识，并延续承继了中华文明优秀的文化基因。
为探究新媒体影像艺术的属性特征与受众感知的关系，研究通过选取具有代表性的国内外新媒体影像艺术作品，以多向度（MDS）分析测量影像艺术作品的视觉吸引力、整体创新性、思维深刻度、议题突出性及情感沉浸度五大核心属性特征的空间分布与感知强度，通过相关性与回归性，分析论证属性特征对作品综合评价的影响。根据多维测量的结果可得知，观众对新媒体影像艺术的属性特征强度的感知、对作品的综合评价并不完全一致，说明当下新媒体影像艺术创作中存在技术表现与内容表达失衡的现象，新媒体影像艺术作品的创作亟须平衡技术与思想内容的关系。研究以期为新媒体影像艺术的价值理解及未来创作提供参考，实现艺术创作本质的回归。
动态图形设计是多媒体和平面设计交叉形成的设计分支，继承了平面设计通过视觉方式传达信息的叙事模式。同时由于时间维度的引入，扩大了其叙事的范围。本文基于动态图形设计的时间结构特征，在单场景语境中探讨了单个对象的动态演绎如何提高叙事的信息容度和准确度以及时间结构的设计如何调动观者的心理变化从而影响叙事效果；通过多个对象之间的动态表达阐述了拟人、拟物、转喻等手法来提高影片趣味，引导观者建立视觉秩序。在复合场景语境中探析了串联场景的叙事特征；场景并置的叙事规律、对于观者的内心持续冲击和相关心理变化；以及动态图形设计孕育或强化设计形象能力的方法和契机。
自从Typeman、《暴风雨》《寻找潘多拉》等VR戏剧问世以来，戏剧艺术便进入了新的发展阶段。传统戏剧的观演关系是观众通过观看舞台上的演出来开启审美体验的单方面关系，而在虚实共生的技术框架下，戏剧通过虚拟场景的无限延展性，彻底解构了“观众—舞台”的二元对立。随着虚拟现实技术的发展，VR戏剧的出现使“成为”变得更加具身化。通过虚拟现实技术和智能穿戴设备在构建多重体验空间、具身认知、身体媒介等方面的应用，进一步深化了对VR戏剧的理解。VR戏剧创造了数字时代新型的戏剧观演关系，让观众能够完全沉浸在戏剧的世界中，成为整个演出过程的一部分。VR戏剧的交互式体验，不仅突破了传统戏剧的边界，更在数字共生框架下，对戏剧本体特征、观演范式与感知边界提出需要探索的理论方向与实践命题。
艺术批评
巴西籍犹太裔媒介理论家威廉˙弗卢塞尔综合了德谟克里特“原子论”学说和尼采对创造性、虚拟性的肯定，建构了人类文化传播中的人为创造论，并提出了技术图像的概念：随着人的创造力和传播媒介的发展，在经历了二维的传统图像、一维的线性文本之后，由虚空中漂浮不定的、没有维度的、点状的粒子经过装置生产的富有信息的表面。弗卢塞尔指出：对于技术图像而言，重要的不是媒介再现或表征了物，而是它呈现出来的信息；而所谓的“真”就是通过装置将粒子编排、聚合构成的信息而非信息的意义。技术图像的本质就是由人将无维的粒子以创造性的、不断生成的方式进行排列组合，从而建构人们生活于其中的、呈现为信息的、人为性的“真”和“存在”。
维利里奥以其独创的“事故学”为工具，对20世纪的西方艺术进行批判。他认为，世界大战等暴力事件是理解超现实主义、达达主义等先锋艺术的关键，浪漫主义的、欣悦的艺术创作在欧洲早已不知所终。而上述流派表现出的非人道主义和对身体的缺乏尊重在第二次世界大战后的西方艺术中愈演愈烈，艺术家们不但在创作中直接表现对身体的伤害，还大量使用基因编辑技术、仿生技术、体内/外移植等赛博格技术，公然与新兴的科学技术“结盟”，“后人类艺术”彻底摧毁了造型艺术的表征原则。最终，经由直播电视等实时的技术义肢，充斥非人道主义的西方当代艺术实践成为一种向全球直播的“总体事故”，新的“知觉后勤”击溃了主体的移情能力。
数字技术的发展不仅催生出众多新的艺术形式，而且推动艺术管理相关领域的变革。数字技术介入艺术生产、艺术接受和艺术传播之后，也让艺术管理涉及的策划、传播和营销工作产生多方面、全方位的变化。数字化趋势下艺术接受者、艺术生产者和艺术组织产生的变革，亦影响着表征为艺术习得、沟通交流、研究分析的艺术管理思维，这些变化对现代化艺术管理的发展利弊共存。文章通过剖析当下艺术管理方式的优势与局限性，提出从技术意识和创新意识上完善现代化艺术管理思维的策略，以期为实现数字时代艺术与科技相辅相成的路径探索提供帮助。
在国产动画影视创作中，动物形象始终存在。发展至今，创作者笔下的动物形象塑造类型已形成了较为稳定的拟真化、拟人化、拟器化三大类型，三者以或融合或独立的方式共同见证了人类、动物、科技间关系的变迁历程。但就目前国产动画影视中的动物形象塑造来说，尚存在一些问题和伦理争议，诸如过度拟真化带来的叙事与情述匮乏、过度拟人化带来的主体认知模糊、过度拟器化带来的主体力量误认和科技盲目崇拜等。面对这些亟待回应与解答的问题，动画创作者于后人文主义思潮中找寻平衡之道，在尊重动物本真与生态站位、审慎科技伦理与持续发展、强调生命关怀与和谐共生的基础上，探微动画影视作品中动物形象塑造的中庸之道，以为社会进步与精神昂扬保驾护航。
教学探索
随着一系列技术革命与产业变革，设计的内涵与外延都随着时代的发展有所拓展，设计基础课程也应适应新时代艺术设计本科人才培养目标。北京服装学院艺术设计学院以设计学大类培养模式进行招生与培养，开设“形式基础：视觉”课程作为二维设计基础课程。本文通过梳理该课程的发展脉络，分析课程定位下的教学目标，并从三个阶段进行教学设计，搭建了“点、线与闭合图形—创意字母设计与单词编排—整合练习、展览与讨论”层层递进的课程框架。在此过程中，课程将创意视觉设计过程分解为14个小练习，深入浅出、由易到难，培养学生兼备“理性”工作原则与“感性”创意视觉的设计能力。同时，探索“形式基础：视觉”成为数智时代下设计学学科内各专业的“共同基础课”的实施路径与方法，以实现课程“最大公约数”的效力，希冀为当下的设计基础教学改革有所启发。
专业艺术硕士的培养目标是培养具备系统专业知识、高水平技能以及良好综合素质的高素质人才。本文以油画方向为研究对象，深入分析了专业认知水平在人才培养中的核心地位，并结合教学案例，系统阐述了通过强化人文素养来提升专业认知水平的实践路径。
“梅尔尼科夫绘画教学体系”是苏联—俄罗斯绘画教学体系在历史演变进程中阶段性现象的具体呈现，是建立在特定艺术风格基础上集创作理念、艺术目的及具体教学方式于一体的新型教育形态。它自20世纪50年代雏形初现，历经半个世纪的学院教学实践，重视基础教学与创作之间的连接，促进了传统绘画与现代艺术在表达形式上的融合与探索，为苏联—俄罗斯绘画的当代学院式教学发展提供了系统性的理论和实践基础。它不仅在当下持续影响着俄罗斯绘画的未来探索方向，同时也为中俄两国的学院式绘画教学体系的发展呈现了更广的思考维度与可能性。
艺术实践
西安碑林是我国重要的文化遗产，然而其文创产品的消费市场却面临诸多挑战。本文通过对西安碑林现有文创产品的深入调研，结合设计理论与符号学方法，提出了一种外延、内涵和价值三个阶段的系统化设计模型，以此来指导文创产品的创新设计路径。在设计实践的策略方面，研究采用图像符号、索引符号和象征符号的符号学方法，开发系列西安碑林文创产品设计。通过符号的创新应用，可以激发文化遗产的商业潜力，更有效地连接传统文化与当代审美，提升其市场吸引力。
侗锦织造技艺作为国家级非物质文化遗产，承载着我国中西部少数民族的文化智慧与乡土记忆，其现代化传承面临符号语义断层与感知体验扁平化的双重挑战。本研究以“相织若侗”数字交互项目为实验载体，构建“文化根基—空间表现—感官体验”三维叙事模型，提出系统性活化路径：首先基于侗锦纹样的形状文法解构与12色系色谱分析，建立可参数化衍生的文化基因数据库；通过Leap Motion手势交互与Arduino触觉反馈的协同，实现纹样形态与用户（参与者）行为的动态响应；创新采用染食同源锚定策略，借助智能气味雾化装置与可食用样本，构建“视、听、触、嗅、味”时序性联动体验。研究突破传统非遗展示的单向度模式，形成“技术层（数字生成）—艺术层（纹样演绎）—文化层（叙事重构）”融合的三层活化架构。为中华民族文化基因的当代转译提供可验证的设计范式，确立多感官交互在文化叙事空间建构中的方法论价值。
在科技艺术融合及人工智能技术快速发展背景下，机器人戏剧作为全新戏剧形式在演出领域得到快速发展与应用。本文以国内首部新媒体机器人戏剧《巨物之城》的创作成果为例，从介绍分析目前机器人戏剧领域的重要实践案例及理论观点为起点，阐述该项目创作新质审美观念与制作方法的关键创新点，以期分享数字艺术与机器人技术合作的方案，为科技和艺术在戏剧领域的融合发展提供新思路。
新锐观点
1978年以来，中国当代陶瓷艺术视觉实践在西方现代艺术思潮的影响下，从规则的器物审美到纯粹艺术语言、情感、观念的探索，推动了陶瓷艺术的创新。伴随全球化进程的加快，当代陶瓷艺术立足于本土文化的视觉实践，展现出独特的文化逻辑与融合趋势。本研究基于陶瓷产业、文化观念以及审美的时代背景，从艺术表现手法、主题、思维以及形式层面，研究中国陶瓷艺术视觉实践转型过程中的创新趋势，对当代陶瓷艺术实践与理论研究有着重要的现实意义。
1935年至1936年在伦敦举办的中国艺术国际展览会是中国艺术文物在海外最具影响力且规模最大的展览之一，民国政府以此敦睦中英邦交，以期在抗战时期重塑正面的国家形象，推动中国文化的域外传播。文章依靠中、英报刊媒介对于三场分展的讨论还原历史原境，通过报刊史料重新梳理该展览的肇始与发展，总结每场分展的作用与影响，在历史回溯中体会展览面临的困境与机遇，以此为新时代涉外艺术展览的东西方跨文化互译提供历史经验。
在“海派艺术”发展历程中，新中国十七年美术时期（1949年—1966年）的新山水画创作正处于新旧两种范式转换的间断期，造成“海派”与“新海派”理论研究的断裂。本文认同“新海派”发端于新中国初期的说法，在经历新中国画运动的思想改造后，新的文艺思想催生了以表现工业、城市及社会主义现代化建设的山水构图模式，以红色山水、旭日东升来寓意国家建设。在帝国主义侵略所形成的上海近代美术文化体系，其画面中体现出的消费与资本符号被社会主义建设的政治符号所取代，新海派画家笔下的“外滩景观”呈现出一套内置了社会主义意识形态的新视觉体系。外滩这一殖民侵略的象征被新海派的绘画作品所消解，成为一种他塑的视觉经验，并构建了观众的视觉历史。
本文以布尔迪厄“文化资本”作为理论基础，结合国内学者张鸿雁对于“文化资本”理论的“城市”视角转向，将研究重点置于城市空间，选取上海外滩为研究对象，结合媒介符号、文化传播等理论，探究城市空间之于城市发展、空间符号、记忆建构以及城市文化资本再生产等方面的意义与价值，寻找城市空间资源向城市文化的“资本性”转化策略，以期探求城市空间和城市文化资源可持续发展的策略方法。
